Categoria: Tela Quente

O terror é o gênero cinematográfico que mais oferece liberdade criativa aos seus criadores, dado o número infinito de caminhos que os cineastas podem explorar ao contar uma história.

Longlegs: Vínculo Mortal exemplifica essa liberdade de maneira notável, entregando um horror profano que causa impacto até nos populares filmes de terror de shopping center. Esta obra mergulha no conceito do satanismo com um toque de realismo perturbador, mesmo ao incorporar elementos de fantasia, afastando-se da previsibilidade cansativa de grandes franquias como Invocação do Mal.

Longlegs – Vínculo Mortal é dirigido pelo cineasta Oz Perkins. A narrativa segue a agente do FBI, Lee Harker (Maika Monroe), que é convocada para reabrir um caso arquivado de um serial killer em uma cidade tranquila. À medida que Lee mergulha na investigação, ela descobre indícios perturbadores de práticas ocultas ligadas aos crimes, levando-a por um caminho sinuoso e perigoso. Conforme desvenda pistas, Harker se vê confrontada com uma conexão pessoal inesperada com o assassino, lançando-a numa corrida contra o tempo para evitar novas vítimas. Contudo, à medida que avança, percebe que algo sinistro a observa de perto, ameaçando não só o desfecho do caso, mas também sua própria segurança. Enquanto luta para desvendar a verdade por trás dos assassinatos, Harker se vê numa encruzilhada entre o dever profissional e os segredos sombrios que emergem, transformando sua investigação em uma batalha intensa entre a razão e o desconhecido.

Filho do icônico Anthony Perkins, eternizado como Norman Bates em Psicose, Oz Perkins vem deixando sua marca em Hollywood desde que dirigiu o aclamado O Último Capítulo. Conhecido por contar histórias assustadoras com uma abordagem crua e realista, Perkins desafia os clichês hollywoodianos ao trabalhar com a seguinte questão: “Como o ocultismo impactaria a vida de alguém, sem os exageros típicos de Hollywood?”

Em Longlegs: Vínculo Mortal, Perkins se mantém fiel a esse conceito, conduzindo com maestria uma trama que flerta com o drama, como fez em A Enviada do Mal. Contudo, a diferença nesta nova produção está em seu ritmo. Embora menos acelerado em comparação aos filmes de horror convencionais, Longelegs é mais ágil que os demais trabalhos de Perkins, mantendo o espectador em constante tensão. A cada cena, o diretor manipula o ritmo com sua direção arrepiante, alternando entre momentos de quietude inquietante e tomadas que preparam o terreno para o mal iminente.

Perkins demonstra um domínio notável sobre os elementos visuais, utilizando a iluminação e o design de som para criar uma atmosfera que não só conta a história, mas também a intensifica. As transições entre cenas mais lentas e momentos de puro terror são executadas com precisão, elevando a sensação de perigo constante que permeia o filme. Esse equilíbrio entre suspense psicológico e horror visceral faz de Longlegs uma experiência única e memorável.

Ao evitar os clichês do gênero e explorar a escuridão de forma sutil, Perkins entrega mais do que sustos baratos; ele convida o espectador a enfrentar o medo e a incerteza de maneira profunda.

Longlegs: Vínculo Mortal não se destaca apenas pela história aterrorizante, mas também pela excelência das atuações, que são o verdadeiro ponto alto da produção.

Nicolas Cage está impressionante no papel-título, incorporando com maestria um serial killer ocultista com sérios distúrbios mentais. Seus trejeitos bizarros, em vez de tornarem o personagem caricato, contribuem para a construção de uma figura memorável e assustadora. A bizarrice e o exagero presentes na sua performance não resultam em um vilão cafona, mas sim em uma entidade tão apavorante quanto as aparições do “Homem Lá de Baixo”, que observa o telespectador e a protagonista nos momentos mais aterrorizantes do filme.

Maika Monroe, no papel da detetive Lee Harker, não fica atrás de Cage. Enquanto ele traz exagero ao interpretar Longlegs, Monroe atua com uma sutileza que transmite a timidez e o medo de sua personagem, moldando uma detetive desconfiada até de si mesma, mas determinada a colocar um fim no mal. O contraste entre essas duas personas resulta em uma interação profunda e caótica, deixando o espectador em dúvida sobre a possibilidade de uma mudança de lado por parte de Harker.

A trilha sonora também merece destaque. Composta por uma combinação de sons dissonantes e ritmos perturbadores, a música amplifica a atmosfera sombria e intensifica o impacto das cenas mais assustadoras. A sonoridade imersiva contribui para a experiência geral, adicionando uma camada extra de terror que se entrelaça perfeitamente com a narrativa visual e as performances intensas dos astros.

Infelizmente, Longlegs: Vínculo Mortal possui seus pontos baixos, embora isso não prejudique sua excelência geral. No entanto, é importante abordá-los.

Por ser um terror mais contemporâneo, o uso excessivo de jump scares acaba banalizando certos momentos. Inicialmente, Oz Perkins emprega essa técnica com inteligência, utilizando-a como um recurso que enriquece a trama e contribui para a tensão. Contudo, à medida que o filme avança, o cineasta parece perder a mão, utilizando os jump scares de forma mais gratuita e previsível, o que reduz o impacto que esses sustos poderiam ter em momentos críticos.

O plot twist, apesar de bem elaborado e com uma justificativa dramática e aterrorizante, é revelado de forma um tanto direta, sem o mistério e a construção que poderiam intensificar o impacto. Embora a revelação não seja ruim, sua entrega antecipada tira parte da surpresa e da profundidade que um mistério bem trabalhado poderia proporcionar. Em um filme com uma narrativa tão envolvente como Longelegs, um enigma mais sutil e desenvolvido teria elevado ainda mais a experiência.

Apesar dessas falhas, Longlegs: Vínculo Mortal continua a ser uma obra impressionante dentro do gênero, oferecendo uma experiência que, mesmo com suas imperfeições, mantém o espectador cativado e imerso em seu terror perturbador.

Em um cenário onde obras de horror frequentemente se tornam previsíveis e se baseiam em fórmulas desgastadas, Longlegs: Vínculo Mortal surge como um verdadeiro alívio para os aficionados do gênero. Eu não me lembrava da última vez que um longa do gênero conseguiu me causar um medo genuíno; mas essa produção conseguiu exatamente isso. Cada cena é carregada de uma tensão palpável que se intensifica de forma magistral, mantendo o espectador completamente imerso. O medo que ele provoca é visceral e autêntico, um ponto fora da curva em um mar de produções que muitas vezes preferem se apoiar em sustos fáceis e previsíveis.

O que realmente distingue Longlegs dos habituais “terror de shopping center”, é sua abordagem ousada. Enquanto muitos há longas-metragens que se contentam com efeitos superficiais e roteiros formulaicos, Vínculo Mortal se destaca pelo seu medo profundo e real por meio de uma estética que abraça o horror profano de maneira genuína. É uma produção que não apenas assusta, mas também desafia e inquieta, oferecendo uma experiência cinematográfica memorável que permanece depois dos créditos finais. Em suma, Longlegs: Vínculo Mortal é um exemplo brilhante de como o terror pode ser elevado a um patamar superior, misturando uma narrativa realista com uma atmosfera de arrepiar.

NOTA: 4/5

Não há o que esconder: O Reinado consolida-se como o melhor filme da nova franquia Planeta dos Macacos, iniciada em 2011 com César, interpretado por Andy Serkis.

Não obstante, o longa-metragem, que chegou ao Disney+ na última sexta-feira (02/08/2024), demonstra à própria Disney que grandes obras cinematográficas não necessariamente emergem de vastas sagas, mas sim de produções relativamente “menores”. Afinal, permanece um mistério o motivo pelo qual a maior produtora do mundo trata seus maiores e mais lucrativos trunfos com desleixo, enquanto suas franquias de menor escala são lapidadas como diamantes.

Muitas sociedades de macacos cresceram desde que César conduziu seu povo a um oásis, enquanto os humanos foram reduzidos a sobreviver e se esconder nas sombras. Um líder macaco começa a escravizar outros grupos em busca de tecnologia humana, enquanto um jovem macaco, que testemunhou a captura de seu clã, embarca em uma jornada para encontrar a liberdade, sendo uma jovem humana a chave para essa conquista.

Planeta dos Macacos: O Reinado não apresenta uma narrativa original ou inovadora, utilizando uma fórmula comum frequentemente adotada pelos filmes hollywoodianos. Todavia, a relevância da trama reside em sua execução fluída, que cativa o espectador em uma sequência de emoções intensas.

Assim como nas demais edições de Planeta dos Macacos, O Reinado apela ao emocional com inteligência e consistência, através de diálogos redigidos de forma excepcional. A direção de Wes Ball conduz o universo do filme por meio de ações humanizadas e imaturas, fazendo com que os símios se assemelhem mais aos humanos, e os humanos, mais aos símios.

A crítica social presente, embora mais sutil em comparação com os filmes anteriores, revela-se ainda mais incisiva, evidenciando ao espectador a natureza do ser humano como intrinsecamente má e a nossa disposição para buscar poder, até mesmo escravizando nosso próprio povo.

Os laços entre os personagens são explorados na medida certa, sem excessos. Dessa forma, os protagonistas interagem de maneira genuína e natural, criando uma relação espontânea e verdadeira que espelha a vida real.

Proximus César destaca-se como um vilão à parte. A forma como é inserido na história revela que Proximus é uma ameaça mesmo sem aparecer diretamente, tornando-se o melhor antagonista da saga. Sua postura, que o faz acreditar ser um discípulo de César, contribui para sua construção como adversário de Noa, conferindo-lhe um propósito que foge às razões convencionais de se tornar maligno.

Planeta dos Macacos: O Reinado é surpreendente. Simples, mas eficaz, a produção evita ser um entretenimento barato e se estabelece como uma obra cinematográfica que supera expectativas, oferecendo um verdadeiro espectáculo visual e sensorial para o espectador.

NOTA: 5/5

Engana-se quem acredita que Deadpool & Wolverine é a “salvação” da Marvel Studios, como o próprio personagem afirma repetidamente em seu filme, chamando-se de “Jesus da Marvel”. O filme, é uma produção feita para ser simples e divertida, cumprindo sua proposta como uma comédia despretensiosa que não se preocupa em alavancar uma empresa que teve altos e baixos nos últimos anos.

Deadpool & Wolverine reúne o icônico mercenário tagarela Wade Wilson (Ryan Reynolds) e o poderoso mutante Wolverine (Hugh Jackman) em uma aventura cheia de ação e humor, escrita e produzida pelos mesmos criadores de Deadpool (2016) e Deadpool 2 (2018). Enquanto Wade desfruta de um momento de aparente tranquilidade com Vanessa (Morena Baccarin) e seus amigos, Wolverine se recupera de ferimentos. Seus caminhos se cruzam, formando uma aliança improvável. Juntos, enfrentam um inimigo formidável, desencadeando uma jornada repleta de ação, humor e surpresas. O filme promete uma experiência épica, com referências aos quadrinhos e muita adrenalina, oferecendo aos fãs um vislumbre único no universo dos super-heróis.

Esperar que Deadpool & Wolverine seja um marco cinematográfico é irreal. Nem todo filme precisa ser uma obra-prima; algumas produções existem apenas para entreter. Deadpool, tanto nos quadrinhos quanto no cinema, não é um personagem de profundos simbolismos, mas sim um anti-herói voltado para o humor e diversão em massa. Ele cumpre seu papel sem grandes surpresas.

Ryan Reynolds novamente usa o longa como um laboratório de ideias, com sucesso em muitos casos, mas também apresenta piadas com timing questionável, que parecem destinadas a agradar sua bolha de amigos famosos.

É inegável o empenho de Ryan Reynolds em trazer Hugh Jackman de volta e a colaboração de Kevin Feige, CEO da Marvel Studios, que, antes da compra da 20th Century Fox pela Disney, estava limitado por questões burocráticas. O trio está claramente satisfeito com o resultado, não apenas pela expectativa de alcançar US$ 1 bilhão, mas também por oferecer aos fãs elementos que esperavam há muito tempo.

Como em outras produções da Marvel Studios, Deadpool & Wolverine apresenta uma direção padronizada. Shawn Levy está à frente apenas por ser amigo de Reynolds, enquanto Ryan e Feige são os verdadeiros responsáveis pelo entretenimento.

O retorno de Hugh Jackman como Wolverine é divertido, mas não emocionante, dado que o foco do filme é Deadpool. O novo Wolverine de Jackman busca se redimir de falhas passadas, mas não traz novidades para quem conhece os quadrinhos ou assistiu Logan. Ver Jackman no icônico traje amarelo e com sua personalidade impetuosa é um momento que poderia ter chegado antes.

Cassandra Nova demonstra a versatilidade de Emma Corrin como atriz, mas a vilã serve somente para aprofundamento do Vazio, tal como Paradoxo, que se revela genérico e pouco cativante para Matthew Macfadyen.

As participações especiais, que fazem referência à FOX, servem para provocar reações no público, mas não têm peso na trama. Ao contrário de Sem Volta Para Casa, onde os as aparições de Tobey Maguire e Andrew Garfield estavam integrados na narrativa, estas aparições em Deadpool & Wolverine são meros divertimentos, sem impacto significativo.

Em resumo, a nova obra da Marvel Studios  não passa de um ótimo entretenimento barato, que assim como qualquer outra comédia de grandes estúdios hollywoodianos, tira ótimas gargalhadas de seus telespectadores através de maneirismos visuais e piadas sarcáticas com conotações sexuais, algo que funcional muito bem com o tipo de público que o terceiro longa do mercenário tagarela visa atingir: adolescentes e jovens adultos que por algum motivo, ainda acreditam estar na adolescência.  

NOTA: 3,5/5

Luca Guadagnino é um cineasta reverenciado pelos cinéfilos da nova geração devido ao seu trabalho em Me Chame Pelo Seu Nome. Portanto, qualquer produção que tenha o nome do italiano vinculado atrai os holofotes da mídia.

Não seria diferente com Rivais, seu mais recente longa-metragem esportivo sobre um triângulo amoroso onde o ego é mais valorizado do que a determinação de vencer.

“Rivais” acompanha Tashi (Zendaya), uma tenista prodígio que se tornou treinadora, uma força da natureza que nunca pede desculpas por seu jogo, dentro e fora do campo. Casada com Art (Mike Faist), ela conseguiu transformar a carreira do marido, de um jogador medíocre para um campeão mundialmente aclamado. Quando Art está tentando superar um período difícil, onde apenas acumula derrotas, a estratégia de Tashi toma um rumo inesperado: ela convence o marido a jogar em um torneio “Challenger” – o nível mais baixo do circuito profissional – onde terá de enfrentar Patrick (Josh O’Connor), seu antigo melhor amigo e ex-namorado de Tashi. Patrick, que também já foi um talento promissor, agora se encontra exaurido e lentamente caminha para o ocaso de sua carreira. O encontro dos três pode reacender antigas rivalidades, dentro e fora da quadra, e resultar em um desfecho diferente para a carreira de todos.

Quando comparado com os filmes anteriores do mestre, Rivais exibe uma direção frenética e inquieta, típica de uma boa partida de tênis. O esmero que Luca demonstra ao narrar essa história, situada em dois períodos de tempo sem parecer confusa, confere um charme à obra que poucos diretores, mesmo renomados, conseguem trazer.

A adrenalina imposta por Guadagnino não se restringe às quadras esportivas apresentadas durante a história, que muitas vezes são tratadas como uma “entidade” que fala por si só. Essa adrenalina também se estende à relação entre os personagens centrais, gerando um triângulo amoroso composto por ego e tensões sexuais fascinantes de se acompanhar.

Justin Kuritzkes, o roteirista, capricha ao trazer um relacionamento psicosexual, sem relegar a trama esportiva a um segundo plano.

Do seu início ao seu epílogo, Rivais trabalha nos mínimos detalhes para que o espectador sinta-se íntimo da história ali apresentada, sendo eufórica mas sem exaurir em seus espectros quase “tóxicos”.

Devido aos talentos escolhidos a dedo pelo diretor, é difícil escolher um único personagem para se simpatizar, dado que Zendaya, Josh O’Connor e Mike Faist sabem muito bem como compartilhar o brilho entre si.

O holofote compartilhado entre os três astros culmina em um favoritismo equilibrado, moldando um desejo de que todos triunfem de acordo com a natureza e rivalidade de cada um presente na trama.

Um trio, quando bem desenvolvido, demonstra a capacidade que tem de cumprir os desejos mais profundos de um único corpo, e Rivais é a prova disso.

Rivais é um diamante meticulosamente lapidado por Luca Guadagnino, que explora os principais anseios humanos de forma surpreendente, egocêntrica e sensual sem ser vulgar, sendo uma peça de grife dentro da vasta e esplêndida filmografia do diretor.

NOTA: 5/5

Obra-prima. Não há outro adjetivo para descrever Oppeheimer. Definitivamente, a nova produção do excelentíssimo Christopher Nolan não é um filme, mas o pedaço mais belo, excêntrico e ambicioso da  sétima arte.

Cinema, além de entretenimento, tem como principal objetivo impactar de alguma forma o telespectador, algo que Nolan sempre conseguiu fazer com maestria em sua carreira, vide o que foi feito com Interestellar, por exemplo. Oppeheimer não só impacta, como também adentra na alma de forma como pouquíssimos longas-metragens conseguem fazer. 

Super Mario Bros. é uma franquia de jogos que tornou-se popular quase de imediato quando foi criada, isso porque, possuía uma jogabilidade simples, sem história (fator que mudou ao longo dos anos) e era acessível para todos. 

Logo, era inevitável que Hollywood tentaria mais uma vez (dado que um filme em live-action foi produzido em 1993, mas foi um fracasso) revitalizar a franquia, mas em forma de longa-metragem animado. Uma jogada inteligente da Nintendo e Illumination, diga-se de passagem. 

A Morte do Demônio é uma famosa franquia de horror e comédia que nasceu em 1981, através de um projeto idealizado pelo diretor e roteirista Sam Raimi, por Bruce Campbell e pelo produtor Robert Tapert. Ao longo dos anos, a franquia tornou-se um clássico entre os fãs de terror, sendo considerada como uma das melhores sagas do gênero. 

Com continuações excelentes, incluindo uma série com três temporadas e uma nova versão lançada em 2013, A Morte do Demônio sempre se manteve no alto nível sem perder sua essência. Em outras palavras, os fãs da série nunca tiveram motivos para se preocupar, dado que cada obra sempre encontrava uma maneira de respeitar o material fonte. 

Com A Morte do Demônio: A Ascensão não é diferente, sendo a melhor adição à franquia desde Uma Noite Alucinante 3 e Ash vs Evil Dead, que entrega além do prometido de forma simples, elegante e sangrenta. 

No filme, Beth (Lily Sullivan) vai até Los Angeles para visitar sua irmã mais velha, Ellie (Alyssa Sutherland), que mora com os três filhos em um pequeno apartamento. Com uma relação distante, essa seria a oportunidade para uma reaproximação entre as irmãs. Porém, o reencontro toma um rumo macabro quando elas encontram um livro antigo que dá vida a demônios possuidores de carne. Agora, para sobreviverem, serão forçadas a enfrentar uma versão aterrorizante da família.

Com direção do irlandês Lee Cronin (O Bosque Maldito), que também assina o roteiro, A Ascensão é um longa-metragem feito com amor, cuidado e dedicação. Desde fidelidade à mitologia criada por Sam Raimi, até homenagens visuais, Cronin entrega uma direção dinâmica, dando ao telespectador a sensação de que ele faz parte da história e que também está sendo caçado pelos Deadites (demônios), como por exemplo, acompanhar os olhares dos personagens com a câmera, dando a sensação de que os protagonistas estão interagindo com o público. 

Diferente das outras obras, A Morte do Demônio: A Ascensão desenvolve todos os personagens individualmente, dando um real propósito para toda a família, descartando a possibilidade deles serem meros NPC’s que estão ali para morrer. Cada um possui sua dor individual, seu momento e seu protagonismo, enriquecendo ainda mais a história. 

Contudo, Ellie (Alyssa Sutherland) e Beth (Lily Sullivan), a dupla de irmãs, são as que se destacam em meio à tanto protagonismo das filhas de Ellie. Enquanto Beth, é a grande ”heroína” que esconde um grande segredo de sua família, e por isso, luta para sobreviver (dado que ela descobre um propósito em sua vida), sua irmã fica com o papel de vilã… e que vilã! Percebe-se no olhar de ambas as atrizes, que elas não estavam somente se divertindo enquanto gravavam A Ascensão, como também se entregaram de corpo e alma para suas personagens, entregando atuações medonhas, empolgantes e claro, de alta qualidade. 

A Morte do Demônio: A Ascensão inova em trazer para a franquia, uma ambientação claustrofóbica se passando quase que inteiramente no mesmo cenário, sem enjoar. Além disso, a escolha por levar A Morte do Demônio para dentro de um prédio, abriu possibilidades para criar uma trama mais íntima e criativa, ao mesmo tempo que a ambientação é trabalhada com recursos ”escassos”.

A nova produção utiliza do humor de maneira inteligente e pontual, criando uma atmosfera tensa, mas que há momentos engraçados. Porém, tais situações não são utilizadas para quebrar o gelo como de costume, mas sim, para deixar os acontecimentos ainda mais macabros e maquiavélicos. Mais um ponto para o longa-metragem. 

A Morte do Demônio: A Ascensão é um verdadeiro (e lindo?) banho de sangue e gore, dando uma alegria quase que infinita para os amantes de Ash e sua turma, sendo além de uma bela homenagem, mas sim, uma adição magnífica à este universo cinematográfico que tende crescer cada vez mais. 

NOTA: 5/5