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Blade Runner 2049 é uma extensão da obra de Ridley Scott. O diretor trouxe uma visão distópica e obscura no ano de 2019 para mostrar a crueldade da verdadeira natureza humana. Blade Runner, o Caçador de Androides revolucionou a forma de fazer ficção científica nos cinemas, mudou a visão das pessoas em relação ao gênero e criou uma legião de fãs conforme se passaram os anos. Agora, com Dennis Villeneuve no comando, a sensibilidade aliada à técnica do canadense demonstra reverência ao gênero, a ampliação de conceitos e temáticas já conhecidas, e uma verdadeira exemplificação das relações humanas com a tecnologia. O termo “blockbuster inteligente” se mostra insignificante para o que 2049 realmente é.

“Uma extensão” em todos os sentidos, literalmente. O roteiro escrito por Hampton Fancher, um dos roteiristas originais, e por Michael Green, que nos presentou este ano com o fantástico Logan, apresenta um forte embasamento na obra de 82, explorando velhos conceitos, mas apresentando e aplicando novos, introduz e desenvolve personagens profundos, e cria discussões que não eram possíveis naquela época. Atualmente, a nossa concepção tecnológica é muito mais abrangente. Nossas relações com as máquinas e nossos conhecimentos sobre elas estão avançando constantemente, e os roteiristas colocaram isso como um dos centros reflexivos da trama. A relação humano e máquina está presente em grande parte do corte do diretor.

O embate entre humanos e replicantes continua, traz novos pensamentos e perspectivas, deixando as mesmas questões no ar: o que nos faz humanos? Quais são as diferenças entre nós e eles? Perguntas sem respostas definitivas, sendo todas bastante subjetivas. Por isso se cria uma narrativa instigante, que pela construção dos personagens e dos diálogos vai se obtendo variadas respostas, mas nunca uma definitiva. Passaram-se 35 anos e todo o debate iniciado por Scott continua nos trazendo reflexões válidas.

Difícil falar sobre o enredo sem contar partes importantes. A história é completamente independente do primeiro, tem um ritmo lento, apresenta todas as evoluções que aconteceram nos 30 anos com os replicantes e a humanidade minuciosamente. Todos os elementos vão sendo colocados na tela com uma riqueza de detalhes muito pouco vista nos cinemas atualmente. É para apreciar gradativamente e criar uma interpretação pessoal sobre a obra. Rick Deckard (Harrison Ford) e K (Ryan Goling) têm um caminho emocionante, angustiante e épico para percorrerem, com algumas reviravoltas que fazem a longa duração (2h40min) passar voando. Voltar para esse universo pode ter sido apenas mais uma das várias jogadas da indústria hollywoodiana, mas valeu a pena o investimento.

Na direção, Dennis Villeneuve troca a sutileza de A Chegada pela agressividade e obscuridade de Blade Runner. Em conjunto com Roger Deakins, Villeneuve se preocupa com cada detalhe dos planos, dos cenários, das luzes e das cores que remetem ao estilo noir. Los Angeles continua caótica, mas muito mais depressiva. A poluição parece ter se agravado com o tempo, prédios mais altos são quase indistinguíveis e difíceis de se visualizar de longe. Tudo é neutro, a cidade é padronizada pelas cores pretas e cinzas dos prédios e das imundícies. A única demonstração de cor e vida são os hologramas de marcas famosas, poderosas e ricas que representam os objetivos inalcançáveis da população por cima de suas cabeças: renda e qualidade de vida.

Toda essa mudança no design de 82, criada por Villeneuve e Deakins, refletem no psicológico do personagem de Ryan Gosling, o  Agente K. O blade runner entra em conflito consigo mesmo na hora que quer descobrir as verdades sobre a sua própria existência, este é corpo do roteiro. Os acontecimentos estão conectados à ânsia de respostas por K. Sua jornada remete Rick Deckard e seu jeitão incômodo de viver a vida como ela é na Terra, sem grandes esperanças e feitos.

Deckard está de volta com a brilhante interpretação de Harrison Ford, que não trabalhou apenas pelo dinheiro, e sim, pela qualidade do roteiro, como o ator mesmo dissera em várias entrevistas. O aposentado blade runner parece estar mais cansado e desgastado, carregando fardos do passado nas costas, lidando com o vazio existencial que remete à futurística Las Vegas apresentada. Outro mérito de Villeneuve e Deakins. Como Blade Runner 2049 se comporta como cyberpunk, é necessário colocar elementos extremos para comparações entre presente e futuro. Troque a iluminação e o neon dos cassinos e bares pela simples luz do sol, as estruturas que remetiam diversão e entretenimento por estátuas monumentais quebradas que exalam tristeza e solidão. O centro movimentado da antiga Las Vegas foi preenchido pelo deserto inabitável: o novo recanto de Deckard e o reflexo do seu vazio íntimo.

San Diego também aparece como um dos cenários, e assusta pela proximidade da nossa realidade. A cidade virou um lixão completo, onde todos os resíduos orgânicos e restos de outras cidades são despejados. Crianças trabalham como escravas para as colônias, e são lideradas pelo ator Lennie James. Escravidão, meio ambiente e trabalho infantil são discutidos, embora não diretamente, em toda a sequência que se passa na cidade.

Para mostrar mais uma relação entre os personagens e a direção, temos Jared Leto como Wallace, o antagonista e criador de replicantes da sua companhia. Sua participação pequena não interfere na importância do personagem em mais um grande debate oferecido pelo longa, entre a lógica pura e o amor. Nota-se quando a câmera entra no prédio da corporação de Wallace como as sombras formam linhas simétricas, ondulações perfeitas que seguem um fluxo coerente, representando as ideias racionais e matemáticas do personagem, sem a interferência das emoções.

Além da fotografia, das sombras e cores perfeitas para aplicar o tom correto do cyberpunk, a trilha sonora composta por Jóhann Jóhannsson, Hans Zimmer e Benjamin Wallfisch, e os efeitos sonoros, completam a ambientação de 2049. Não tem como negar a forte influência de Vangelis na composição sonora, propositalmente, claro. Seus traços musicais não têm como serem esquecidos, e os compositores homenageiam criando novas tendências em cima deles. Já no primeiro plano geral do filme, a presença da trilha nos faz retornar ao universo dos replicantes de mente e “alma”. Os efeitos sonoros das armas, dos carros e dos aparelhos tecnológicos são super bem aproveitados. A mixagem de todos quando K está nas ruas de Los Angeles movimentadas e barulhentas é absurdamente incrível. As salas XD e IMAX são as mais apropriadas para este tipo de experiência.

Aos fãs de Blade Runner, o Caçador de Androides, há uma quantidade significativa de referências ao filme. Vamos de algumas notas da composição da trilha até em acontecimentos da própria obra. Atenção também na maquiagem excepcional e o figurino extravagante, que guardam algumas relações sutis com o original.

Blade Runner 2049 não é apenas um “blockbuster inteligente” e uma “homenagem ao antecessor”. É uma obra de arte cinematográfica independente e única, com um senso de estética deslumbrante, uma história emocionante e filosoficamente rica, que ficará nos corações e mentes de todos os fãs por suas mensagens e reflexões. Palmas para Dennis Villeneuve, as lágrimas na chuva nunca foram tão reais.

Kingsman: O Círculo Dourado é a primeira continuação no currículo de Matthew Vaughn. A essência de toda a história da agência de espiões está nas mãos do diretor em seu jeito único de contá-la utilizando os mesmos elementos, narrativos e técnicos, do antecessor. Tudo é levado a uma escala maior, desde o divertimento até o próprio conflito, os personagens são mais carismáticos e próximos ao público, mas este novo filme demonstra um déficit na originalidade e um desgaste na direção de Vaughn.

Matthew Vaughn sabe fazer cenas de ação como ninguém. Exerce planos sequência com maestria, mescla cenas e cenários com os efeitos visuais, alterna entre planos gerais e planos mais fechados e deixa a trilha sonora altíssima para criar uma violência agradável aos olhos e ouvidos. Não há novidades aqui, o diretor aperta o botão “automático” e produz as mesmas cenas que já tínhamos visto antes. Apesar de suas boas ideias pautadas no exagero, não há uma sequência que aborde novos elementos que ainda não foram usados. O que mais chama atenção é, logo nos minutos iniciais, uma perseguição no melhor estilo Velozes e Furiosos, que nos conecta novamente com o universo e aos personagens principais.

Eggsy (Taron Egerton) e Merlin (Mark Strong) estão de volta e muito mais interessantes do que no primeiro. A química entre os atores evoluiu, os diálogos apresentam contrastes interessantes diante do amadurecimento de Merlin e das transformações na vida pessoal e profissional de Eggsy. Na trama principal, ambos são obrigados a encontrarem a filial americana, chamada Statesman, depois da destruição completa da Kingsman pela a organização criminosa Círculo Dourado, comandada por Juliane Moore.

Depois de todo o glamour britânico, entramos em território americano. A agência Statesman reúne um elenco de grande calibre, que tem um potencial desperdiçado. Jeff Bridges interpreta Champagne, uma interpretação parecida com a de Michael Caine, mas que quase não aparece na telona. Channing Tatum e Halle Berry também estão apagados, a participação de ambos é esquecível e servem mais como promessas para futuras sequências. Pedro Pascal é o único que se salva, o roteiro o requisita bastante, deixando-o confortável no papel. Seu desfecho não é o dos melhores, mas totalmente cabível com o que vai se construindo.

Juliane Moore é a antagonista principal da continuação. Interpreta Poppy, uma empresária desconhecida mundialmente que infecta vários tipos de drogas com um veneno mortal. Os planos e a própria atuação de Moore remetem a Samuel L. Jackson. A atriz não é tão presente e interessante como o ex-vilão Valentine, não exala nenhuma ameaça séria e, rapidamente, acaba caindo no clichê do próprio gênero. Os temas mais polêmicos e as cutucadas conhecidas de Vaughn estão relacionados à vilã, o presidente dos EUA e o combate contra as drogas são uma forma do diretor se expressar e tecer várias críticas em forma de ironia, deixando Poppy deslocada entre elas.

Passando pela Statesman até a vilã, o personagem que mais se destaca pela construção evolutiva do arco só podia ser Harry Hart. Colin Firth protagonizou O Serviço Secreto e ganhou a empatia do espectador.  Seu retorno não foi surpresa para ninguém, já que o marketing do filme estragou uma bombástica revelação em potencial. A justificativa para o seu retorno não atrapalha o background do agente. Todo o aprofundamento no psicológico do herói até o seu firme retorno é o ponto alto da história. Após essa fase de transição, Harry domina grande parte do filme para si mesmo.

Com a ação no automático e os personagens estabelecidos, o entretenimento é garantido pelo divertimento durante a sessão, mas como obra cinematográfica, essa continuação apresenta mais do mesmo, sem originalidade, além de alguns retrocessos. Soluções rasas e previsíveis, falas clichês e desfechos de subtramas preguiçosos. O timing cômico também incomoda (Elton John que o diga.). As piadas não funcionam e são excessivas, estragando completamente a seriedade de algumas partes. O uso da palavra fuck em metade das frases perde o impacto depois da terceira vez… O descompromisso com a lógica é aceitável até este atingir o roteiro e criar desequilíbrio na história longa e repetitiva.

Kingsman: O Círculo Dourado prova que Vaughn devia ter parado em O Serviço  Secreto. A sequência é divertida e funciona como um decente filme de ação, além de apresentar ótimas relações entre os personagens. Só que todos nós já vimos isso anteriormente, e o que seria uma excelente continuação, só ficou na mediocridade da boa continuação com várias oportunidades desperdiçadas, deixando no ar promessas empolgantes para o futuro da franquia.

Atualmente na internet, inclusive em vídeos e posts direcionados ao debate da sétima arte, há uma expressão que aparece nas escritas e nas falas destes: “este é um filme feito para pensar”. Infelizmente, com a degradação da indústria cinematográfica de arte para produto, a expressão se transformou em um gênero. A consequência foi a divisão concreta entre o entretenimento tosco e a “obra artística”, que engloba os próprios filmes, diretores e artistas em geral. Se pegarem o nome de Darren Aronofsky no meio dessa discussão, provavelmente haverá discórdias, principalmente pela interpretação individual de cada espectador. Com seu novo filme Mãe!, talvez o tema e sua perspectiva não agradem a todos novamente, mas não há como negar que é uma obra artística, o que todos os filmes devem ser.

Aronofsky é um diretor de grandes qualidades técnicas e até emocionais. Provas concretas disso são os filmes: Réquiem para um Sonho (2000), Cisne Negro (2010) e O Lutador (2008), que se usa da técnica para atingir a emoção. Veja como ele utiliza seus planos fechados, close-ups em Réquiem para um Sonho, que funcionam na demonstração do vício de cada personagem. A câmera giratória que se envolve à personagem de Natalie Portman, captando seu desenvolvimento e suas batalhas internas em Cisne Negro. Ou até mesmo a câmera por trás das costas de Mickey Rourke, representando as discrepâncias profissionais vividas pelo lutador.

Já em Mãe!, Aronofsky, com suas habilidades mais apuradas como nunca, se permite abusar dos planos fechados, close-ups e dos planos detalhe para construir a protagonista interpretada por Jennifer Lawrence. Há um uso tão excessivo, que toda a experiência se torna claustrofóbica, tanto para a personagem quanto para o espectador. O diretor traz uma parte da conexão emocional por meio das câmeras, até os planos sequência que acompanham a movimentação dos atores buscam trazer uma ambientação incômoda. Como parte da trama, os planos ainda são muito relevantes, pois com um olho atento e uma leve interpretação, dá para entender conceitos apresentados de primeira.

Conceitos que são a raiz de todo o longa, se tornam poesia no audiovisual. A junção da montagem com a sonorização, além dos símbolos e metáforas que ocupam grande parte do roteiro, transformam Mãe! em uma jornada angustiante para entender a questão central. Há uma quantidade enorme de conceitos que são introduzidos nos primeiros frames e que se passarem despercebidos, influenciarão na interpretação final. Cada detalhe, seja em uma ação ou diálogo, ajudam na construção imaginativa e no entendimento metafórico da história.

Para ajudar no engrandecer do tormento, há as interpretações incríveis (já esperadas) de Jennifer Lawrence  e Javier Bardem. Ambos experientes no ramo, os atores demonstram uma química muito natural, porém com psicológicos extremamente distintos. Enquanto Lawrence parece sofrer constantemente e querer debater todos os acontecimentos, Bardem, apesar de frustrado por sua falta de inspiração para escrever seus livros, demonstra tranquilidade, serenidade e controle nas cenas. Trabalhos grandiosos para papéis grandiosos. Já Ed Warren e Michelle Pfeiffer parecem os opostos dos dois, contracenando incrivelmente com o casal.

É importante salientar que não há como comentar a história, já que qualquer citação pode estragar as surpresas e descobertas que este filme nos proporciona. Porém, vale citar o nervosismo acompanhado da emoção ao assistir Mãe!. A calma do primeiro ato não condiz com a exaltação do último, surpreende pelas reviravoltas ocasionais, os desfechos dos personagens e pelos momentos que beiram o absurdo, mas com um senso realístico apurado. Os sentimentos se fundem ao longo do desenvolvimento, tornando a experiência memorável.

Uma trama envolvendo religiosidade e política, nada convencional, para discutir fatos sociais através dos simbolismos metafóricos e do charme poético provocado por Darren Aronofsky prova que Mãe! é uma das maiores surpresas do ano, que além de não ser só a obra definitiva do diretor, se mostra uma obra definitiva da humanidade. Basta conferir para entender e refletir.

O cinema brasileiro está fragmentado em dois extremos nesse ano, com poucas exceções. Ou o filme apresenta um humor escrachado com situações absurdas, ou foca na discussão sobre o cenário político, que está bem turbulento atualmente. Já Bingo: O Rei das Manhãs, é uma das exceções que coloca em tela técnica e qualidade cinematográfica, fugindo do clichê nacional e aplicando otimismo no mercado da sétima arte no Brasil.

Inspirado na história de Arlindo Barreto, um dos intérpretes do Bozo, Bingo detalha todas as particularidades de sua vida profissional com muito charme e competência. Porém, o filme deixa claro que sua história é apenas uma inspiração, e não está com objetivos de construir uma cinebiografia. Não houve um charme em sua vida, mas neste filme, o glamour está presente em todas as camadas preparadas por Daniel Rezende, experiente montador em sua primeira empreitada como diretor de longa-metragem.

Rezende é um renomado montador brasileiro. Trabalhou nos filmes Tropa de Elite (2007), Tropa de Elite 2 (2010) e até o famoso Cidade de Deus (2002) . Sua colaboração como montador no Brasil foi deixada de lado para ele tomar o posto de diretor… e que baita diretor! É na direção que está o coração do Rei das Manhãs. Começando pela construção dos personagens, o diretor busca imagens, composições de cores e luzes para criar uma identificação própria com os atores/atrizes. A predominância das cores quentes, principalmente, transmitem a intensidade do psicológico perturbado do protagonista Augusto (Vladimir Brichta) e cria um ambiente intenso e às vezes melancólico.

Há também a preocupação em retratar a época em que a história está inserida: os anos 80. Os mais velhos devem sentir uma dose nostálgica e os mais novos devem começar a entender mais a cultura artística e de entretenimento do país. Até os jovens que assistem TV devem se surpreender em algumas cenas. Figurino, contextualização, trilha sonora e cenários trazem os anos 80 de uma forma natural, um grande feito entre as produções brasileiras.

Como montador, é perceptível o equilíbrio que o trabalho do Daniel Rezende traz como bagagem. Entender como se constrói uma narrativa faz toda a diferença. As várias camadas contém extremos como humor e drama, sucesso e fracasso, além de reconhecimento e esquecimento. Todos esses momentos são encaixados como peças de uma base que irá sustentar o conflito interno de Bingo.

O clímax de Bingo: O Reis das Manhãs se resume ao conflito do protagonista. A busca faminta e ao mesmo tempo suja e obscura pelo reconhecimento e o estrelato, toma o espectador como um refém da situação, que reconhece a escuridão que assola o mundo do entretenimento. Até onde uma pessoa iria para conquistar o sucesso e os holofotes? E essa questão vai sendo desenvolvida ao longo do filme e ganhando maturidade pela a atuação de Vladimir Brichta.

Brichta é o curioso caso de envolvimento entre ator e personagem. Cada passo e evolução do protagonista, o próprio ator se engrandece. A sua atuação é tão fragmentada como a própria montagem. Seu sarcasmo somado à sua frustração, criam uma angústia dentro de si, consequentemente, Vladimir Britcha personifica Augusto e Bingo, que se tornam uma mente própria e hipnotizam pela naturalidade de ambos.  O ator participou de algumas novelas e séries, além de filmes focados na comédia, mas este parece ser o ponto alto da carreira.

Outras participações merecem ser mencionadas. Leandra Leal continua atuando como a profissional que é. Como Brichta, Leal se molda em sua personagem Lucia, diretora do programa infantil. Há aparições pontuais como a de Pedro Bial, Tainá Müller, o falecido Domingos Montagner, Augusto Madeira e Emanuelle Araújo como Gretchen. Ana Lúcia Torre é uma das mais experientes do elenco, sua interpretação é estonteante como mãe de Augusto, que tem as mesmas ambições do filho.

Ao todo, o resultado se mostra satisfatório e nos deixa perplexos pela vida de Arlindo Barreto e pela estrada podre ao reconhecimento exagerado. Como troféus e  holofotes não trazem a felicidade e a sensação gloriosa que fingem dar. Uma crítica profunda para a própria indústria televisiva e cinematográfica. Há mais de 30 anos atrás e as semelhanças espantam.

Bingo: O Rei das Manhãs é o resultado do trabalho nacional. O projeto de Daniel Rezende e Vladimir Brichta se mostra um grande concorrente ao Oscar pelo Brasil, mas, primeiramente, que deve ser prestigiado pelo próprio brasileiro por seu significado e importância. Uma estatueta não substituí isso.