A saga de grande sucesso chega ao fim e ao contrário do que ouvimos falar sobre os quadrinhos autorais de Jeff Lemire, que as histórias são muito similares, sempre com um drama familiar, Gideon Falls é um thriller capaz de arrepiar os cabelos, carregado de suspense e com uma pitada de horror na medida.
Lançada nos Estados Unidos pela Image Comics em 2018 pela dupla já conhecida Jeff Lemire e Andrea Sorrentino ( Arqueiro Verde e O Velho Logan) e o colorista Dave Stewart ( Hellboy e Daytripper) , foi publicada em terras brasileiras pela Editora Mino, em 6 encadernados muito bem trabalhados.
Iniciamos essa narrativa com a história de Norton Sinclair, um rapaz com sérios problemas psiquiátricos atormentado pela escuridão. Calma! Não é o lado negro da força querendo tentar o nosso jovem “If you only knew the power of the dark side, Norton”.
Brincadeiras à parte, a princípio não é possível saber o que o atormenta, deixando dúvidas se existe de fato algo a temer ou se tudo não passa de confusões criadas pela cabeça do rapaz. Norton dá muitos sinais de estar confuso e perdido dentro suas manias, como revirar o lixo da cidade em busca de pistas para obter respostas de um quebra cabeças que ele nem ao menos consegue explicar.
Norton conta apenas com apoio de sua psiquiatra Dra. Xu, que mesmo cética em realação ao sobrenatural, dá o suporte que seu paciente necessita ao notar tamanho sofrimento que esse mistério lhe causa. Mas, o cetismo desta psiquiatra dura apenas até o momento em que ela mesma tem a visão o Celeiro bem diante dos seus olhos.
O segundo núcleo apresentado vive no interior de Gideon Falls, onde há uma pequena comunidade típica dos filmes de terror onde todos se conhecem e muitos possíveis suspeitos se formam. A pequena comunidade é agraciada com a chegada de um novo Padre, Wilfred. Um Padre totalmente fora do padrão, com problemas com alcoolismo e um passado bem obscuro. Sua chegada é precedida por um assassinato e o Padre é o primeiro suspeito desse crime, mas as coisas não seriam tão simples em Gideon Falls, tão pouco esse assassinato seria um crime comum.
A cidade é assolada a gerações por uma lenda urbana, O Celeiro Negro. E suas aparições sempre são precedidas por mortes e terror. Mas, claro que essa lenda parece apenas uma bela oportunidade para se livrar da culpa dos mais hediondos crimes.
Nada é comum em Gideon Falls, e como para todo boato existe uma possibilidade de fatos reais, um grupo autodenominado de lavradores atuam como a Mistério S.A da cidade atrás de pistas sobre o Celeiro.
O Celeiro Negro é muito mais do que uma aparição fantasmagórica, dentro dele habita um mal que anseia por liberdade e rasteja por entre as realidades, buscando uma forma de sair da prisão da qual se mantém. Esse mal que habita o celeiro é visto como o Homem que sorri na escuridão, uma visão repulsiva que atrai suas vítimas para um caminho sem volta, que tenta as pessoas através de suas fraquezas para tomá -las em busca de um receptáculo perfeito, como um gênio da lâmpada diabólico.
Com um roteiro quase cinematográfico, ler esse quadrinho é como ver as cenas de um filme ou série de TV acontecendo bem diante dos seus olhos. A arte de Andrea Sorrentino colabora em grande parte para causar essa sensação, já que ela conta uma história à parte do roteiro, insinuando detalhes que complementam, como uma dança sincronizada, essa narrativa.
A saga gera altas expectativas no leitor a cada volume e apesar de ter uma narrativa e personagens excepcionais, ela cria mais questionamentos do que os responde. Talvez, na ânsia de criar um universo fantástico, Lemire tenha se esquecido de amarrar muitas pontas soltas, e o último volume intitulado O fim abre uma brecha para uma possível continuação. Para alguns leitores, esse final ambíguo foi decepcionante, para outros foi a oportunidade de ver um retorno dessa saga.
E por falar em continuação, na CCXP Worlds 2020 Sorrentino confirma a produção da série de TV inspirada nesse thriller, tendo o diretor James Wan ( de Aquaman ) como o responsável por trazer essa adaptação dos quadrinhos para as telinhas. Será que esse foi o motivo de um final tão aberto? Só nos resta aguardar por mais detalhes.
Então, empolgados para esse show? Leiam Gideon Falls e deixem suas impressões aqui pra gente. 😏
“Mega-City Um, 2134 D.C. Enquanto um Departamento de Justiça severamente exaurido luta para lidar com as consequências do Dia do Caos, o juiz Dredd toma conhecimento de uma tentativa de um dos membros do departamento tomar o poder. Enquanto isso, Jack Point do “Esquadrão Wally” recebe uma boneca misteriosa para proteger, e Dirty Frank acorda em Luna-1 apenas para descobrir que ele agora é um membro do conselho da Overdrive Inc.! É um negócio (in)comum para os três homens da lei da Mega-City Um, e conforme seus casos se entrelaçam, eles precisarão trabalhar juntos para salvar a cidade da destruição total!”
Capa do sempre espetacular Greg Staples
A publicação possui 180 páginas, capa cartão e aquele acabamento caprichado que já conhecemos, além de 3 histórias que compilam o encadernado. São elas:
Ths Simping Detective: “Jokers to the Right”
Roteiro de Simon Spurrier e arte de Simon Coleby
Low Life: “Saudade”
Roteiro de Rob Willians e arte de D’Israely
Judge Dredd: “The Cold Deck”
Roteiro de Al Ewing e arte de Henry Flint
Juiz Dredd: Trifecta chega ainda em Julho de 2021, e você pode adquirir o seu volume aqui.
A PlayStation revelou hoje os jogos que serão disponibilizados aos assinantes da PS Plus em julho.
Call of Duty: Black Ops 4 traz a clássica ação da franquia para fãs e para os que nunca experimentaram sua jogabilidade em primeira pessoa. E lembrando que aqui além da experiência multiplayer, temos também a experiência zumbi, que conquistou muitos jogadores, além do mapa inspirado nos jogos do gênero battle royale.
Você poderá jogar com suas superestrelas preferidas e lendas da WWE em cenários interativos ao redor do mundo em WWE 2K Battlegrounds. Jogue em um novo modo de história enquanto desbloqueia campos de batalha e personagens únicos. Entre na competição usando habilidades especiais e poderes em partidas do tipo Steel Cage, Royal Rumble e muito mais! Participe de torneios online ou reivindique o título de Rei do Campo de Batalha contra jogadores de todo o mundo! E tem mais: lute no modo multiplayer local e vença seus amigos.
E em resolução nativa 4k e 60fps, Plague Tale: Innocence desembarca na Plus com visuais altamente aprimorados e carregamento rápido. Oa assinantes poderão acompanhar a história da jovem Amicia e seu irmão mais novo, Hugo, em uma jornada comovente pelos momentos mais sombrios da história. Enquanto se esforçam para sobreviver contra todas as adversidades, eles lutarão para encontrar um propósito neste mundo brutal e implacável.
“Pprt, clã, fazer listas pode ser considerado Cringe ou é algo 10/10?”
Muito tem se falado nos últimos dias sobre a palavra vinda do inglês e seu significado, mas antes de começarmos, vamos nos situar: O que é cringe? Bom, segundo a definição da própria internet, cringeé algo vergonhoso, uma situação que causa constrangimento. A tal da vergonha alheia. Todo mundo já presenciou alguma situação na vida, e provavelmente você que está lendo isso agora, já foi cringe para alguém mais novo, afinal de contas, vivemos diariamente em um conflito de gerações.
10. O Caçador de Lagartixas (Chaves, 1976)
Exibido a exaustão durante décadas no SBT, o seriado Chaves fez parte da infância de muitas gerações, inclusive da minha. Mas esse episódio em específico, me traz más lembranças pela estranheza da dublagem. Tudo parece fora do lugar, as piadas não fazem sentido e muito menos o casting da maioria das vozes. O problema se repete em algumas redublagens modernas, onde as vozes diferem muito das que estávamos acostumados na infância.
“Não se diz cagueta, se diz chupeta.” -Chaves
9. “Kal-El, no!” (Liga da Justiça, 2017)
Apesar de adorar a Gal Gadot como Mulher-Maravilha no cinema, a cena em questão eleva os níveis do meu crinjômetro a nona posição. Eu esperava que a cena fosse retirada no Snydercut (filme esse que adorei) ou ao menos refeita. No YouTube há algumas comparações entre as duas versões da cena, mas sinceramente, não vi qualquer diferença notável. Seja por erro da atriz, ou falta de feeling dos diretores, “Kal-El, no!” continua sendo cringe!
“Joss Whedon, no!” -Eu
8. A morte de Talia Al Ghul (Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge, 2012)
A trilogia Nolan é uma das quase unanimidades quando se fala de heróis no cinema, mas nem o queridinho dos nerds está isento de momentos cringe em seus filmes. Marion Cotillard, vencedora do Oscar de melhor atriz em Piaf – Um Hino ao Amor, não estava muito afim de morrer nesse dia.
Morrikkk
7. El Diablo (Esquadrão Suicida, 2017)
Ainda falando em morte, contarei sobre o dia em que morri dentro do cinema. O assassino? David Ayer. Tudo bem, Esquadrão Suicida nem de longe é alguma obra-prima do cinema e coleciona pérolas durante suas quase 2 horas de duração. O terceiro ato do filme é um show de horrores. Enfim, caso estejam lendo isso, sou apenas um fantasma e espero que prendam o responsável.
“Eu já perdi uma família, não vou perder outra.” -El Diablo, para os condenados e desequilibrados que ele acabou de conhecer
6. “Happy Birthday, Mr. President.” (Breaking Bad, 2008-2013)
A aclamada série Breaking Bad é o tipo de série que sempre recomendo a qualquer um. Lembro-me da época da faculdade, lá em 2013, quando debatia por horas com meus colegas qual seria o destino de Walter White e seu império de metanfetamina. Debatíamos o quão questionáveis eram as atitudes do protagonista e apesar das divergências, todos odiavam Skyler White. Analisando tudo friamente, ela é a com menos atitudes questionáveis na trama, mas esse ódio a personagem vem em contrapartida ao carisma de Heisenberg. A cena em questão, faz referência a Marylin Monroe cantando Happy Birthday to youpara o presidente John F. Kennedy, e causa arrepios na alma. Anna Gunn, eu amo te odiar, mas isso é cringe.
O tipo de coisa que acaba com o meu dia
5. Night Out (The Office, 2005-2013)
The Office é sem dúvidas uma das minhas séries favoritas e Michael Scott e seus funcionários sabem como fazer um cringe de qualidade. A premissa dela é justamente essa: mostrar situações embaraçosas no local de trabalho. É o que eu chamo de Cringe do Bem, onde o embaraçoso se torna engraçado. Logicamente, não é um humor pra todos os gostos.
Eu amo essa cena
4. Bat-Closes (Batman & Robin, 1997)
Com o passar dos anos, eu aprendi a apreciar a duologia Batman do diretor Michael Schumacher. Assistir esses filmes com os olhos de criança, ou vê-los como uma releitura do clássico Morcego de Adam West ajudam no processo. Oras, se o spray repeletente de tubarão pode ser engraçado, por que não posso me divertir com o Bat-Cartão Goth Card Good Thru Forever? Mas voltando aos poréns, muito se fala sobre os polêmicos bat-mamilos do uniforme de George Clooney e Chris O’Donnell, mas as cenas onde o diretor insiste em trabalhar seus closes nada discretos não ajudam muito em sua defesa. O veredito? Cringe.
Vou combater o crime. Gostaram?
3. Animalidade(Mortal Kombat: A Aniquilação, 1997)
E ainda falando em infância, a franquia Mortal Kombat marcou a minha, assim como toda a geração dos anos 90/00. Mas ao contrário do 4° colocado, Mortal Kombat: A Aniquilação é o tipo de filme que não se extrai nada de bom, ao contrário de seu antecessor de 1995, que é superior em tudo. Desde atuações pastelonas, mesmo para um filme de video-game, até os efeitos visuais já ultrapassados pra época, confesso que fiquei na dúvida em qual momento colocar aqui, e gastei bons minutos escolhendo um digno do terceiro lugar.
“Suckeeeers!” -Scorpion
2. Rose e Finn(Star Wars: Os Últimos Jedi, 2017)
Essa cena dispensa comentários. É pra ser sentida em todas suas nuances de cringe. Eu adoro o momento em que Rose Tico (Kelly Marie Tran) diz para Finn (John Boyega): “É assim que vamos ganhar. Não lutando contra o que odiamos, mas salvando o que amamos…” enquanto a base rebelde é obliterada ao fundo. Sinta o amor dos atores na imagem abaixo.
Lindo. Obrigado, Rian Johnson.
1. Scott’s Tots(The Office, 2005-2013)
E quando o cringe é tão bem feito que passa do ponto assistível? Esse é o caso do episódio 12 da sexta temporada de The Office, onde Michael Scott (Steve Carell) promete pagar a faculdade de crianças carentes, mesmo não tendo condições para isso. Eu poderia fazer uma coluna inteira de momentos desse seriado que amo. Terminar esse episódio é um teste de força, resistência e fé, e provavelmente deixará sequelas permanentes em sua alma. O primeiro lugar é dele, o inassistível Scott’s Tots. Assista por sua conta e risco. Disponível na Amazon Prime Vídeo, com 30 dias grátis de teste, aproveite.
Dor. Dor física e espiritual.
Será que o site cobre dispesas médicas de trabalho com insalubridade? Me sinto cringe após fazer essa lista. E você, o que achou? Digam nos comentários outros momentos que mereciam estar aqui no nosso Torre Lista. Voltaremos em breve com um novo tema. Até lá!
Dread também contará com uma edição especial, que será acompanhada de um mini livreto com artes e curiosidades do jogo.
Metroid é uma série de jogos eletrônicos da Nintendo. A história se passa em um cenário de ficção científica, centrado na caçadora de recompensas Samus Aran que protege a galáxia dos Piratas Espaciais e suas tentativas de obter o poder de criaturas parasitas, chamadas de Metroid.
Para futuras informações a respeito de Metroid Dread, fique ligado aqui, na Torre de Vigilância.
Sweet Tooth já estreou na Netflix fazendo sucesso. Contando com 8 episódios, a série é baseada na consagrada obra da Vertigo, antigo selo adulto da DC Comics. Escrita e ilustrada por Jeff Lemire, Sweet Tooth começou a ser publicada em 2009, finalizando com 40 edições em 2013. Aqui no Brasil, a obra foi disponibilizada no mercado pela editora Panini.
Como boa parte das adaptações, Sweet Tooth também conta com mudanças em relação à obra original. Confira abaixo as principais diferenças e não fique por fora de nenhum acontecimento dos quadrinhos.
Atmosfera
Podemos começar dizendo que esse é a diferença mais marcante entre as duas mídias. A série, tanto pela classificação etária escolhida como também pela própria intenção de seus realizadores, optou por estabelecer um tom mais alegre, de mais esperança e sem violência gráfica. Mesmo mantendo o gênero de futuro distópico assolado por um vírus mortal, a adaptação consegue deixar tudo mais leve, mais colorido e menos amedrontador.
Por outro lado, os quadrinhos seguem o caminho do medo e da constante insegurança dos personagens. Em um mundo completamente devastado e com sobreviventes humanos totalmente desesperados, temos cenas de violência explícita, terror psicológico e tensão extrema. Sentimos que os personagens estão cansados, tristes, e que já aceitaram o fato de que, mais cedo ou mais tarde, vão ser contaminados pelo vírus e acabar morrendo. A própria arte de Lemire contribui para a ambientação mais soturna e melancólica dos quadrinhos; com um traço bem singular e expressivo, o autor consegue nos passar uma sensação de angústia e desconforto característicos do ambiente em que a obra se passa.
Tommy Jappered
O personagem que acompanha Gus em sua jornada também sofreu uma mudança grande. Na série, Jappered é um antigo jogador de futebol americano que perdeu sua esposa e seu filho logo no início do vírus. Após sua esposa dar a luz a um bebê híbrido, ambos desaparecem do hospital, e Tommy nunca mais os encontra. Agora um sobrevivente errante, o homem acaba salvando Gus de caçadores, sendo seguido pelo garoto e convencido à levá-lo até o Colorado.
Nos quadrinhos, a moral e o caráter do personagem são postos à prova em diversos momentos. Gus e Jappered se conhecem como na série, quando o homem salva o garoto dos caçadores na floresta. No entendo, é Jappered quem convence o menino cervo a sair de casa e ir com ele, dizendo que o local não é mais seguro e que iria levá-lo à “reserva“. Descobrimos, logo mais, que a tal reserva não existe e que tudo não passava de uma mentira de Jappered, que tinha como objetivo entregar o menino híbrido para a milícia em troca dos ossos de sua esposa falecida.
Como complemento, vemos o passado do personagem, sua vida como jogador de hóquei antes do vírus, bem como ele e sua esposa enfrentando os anos iniciais do Flagelo. Ambos acabam sendo enganados por Abbot, líder da milícia, indo para a base do vilão achando que estariam em segurança. Contudo, a esposa de Jeffered, que estava grávida, acaba sendo utilizada em experimentos, morrendo após dar a luz; a criança, que inicialmente não aparece, também é dada como morta. Posteriormente, descobrimos que o filho de Tommy está vivo, e que também é um híbrido.
Doutor Singh e as experiências com híbridos
Na adaptação da Netflix, somos apresentados ao médico Aditya Singh, um personagem que tem bastante destaque e uma linha narrativa própria. Junto com sua esposa Rami, os dois moram em uma comunidade de sobreviventes muito bem organizada e que tem métodos bem radicais de contenção do vírus. Após a médica do local abandonar as funções, Singh se torna o responsável, tendo acesso à todos os documentos do soro que sua antecessora estava desenvolvendo. Usando híbridos vivos, a antiga médica conseguiu desenvolver um bloqueador do Flagelo, mas que não dura muito tempo e o infectado precisa consumi-lo constantemente para não desenvolver a doença. Na série, Rami acaba sendo contaminada e faz o uso do medicamento, conseguindo ser a pessoa que mais viveu com a doença no organismo. Importante frisar que na adaptação, nenhum híbrido é mostrado morto ou sofrendo experiências.
Na HQ, por outro lado, não temos nenhum medicamento ou cura para a doença. O doutor Singh é o responsável pelas pesquisas na milícia e busca incansavelmente, há anos, achar alguma solução para o Flagelo, não alcançando nenhum sucesso. Os híbridos, após serem capturados, são colocados em uma espécie de prisão e são tratados das piores formas possíveis; quando algum é levado ao laboratório de Singh, nunca mais retorna.
Após Gus ser enganado por Jappered e entregue a Abbot, o menino acaba conhecendo outros híbridos que também foram capturados e estão ali para servirem de cobaia. Alguns desses personagens se tornarão grandes amigos de Gus e serão importantes durante toda a trama dos quadrinhos; inclusive, o filho de Jappered também se encontra preso na base da milícia. De uma forma bem mais explícita e grotesca do que na série, os quadrinhos nos mostram cenas de híbridos mortos, abertos e sendo experimentados.
Exército Animal
Mesmo sendo presente tanto na HQ como na série, as versões do Exército Animal são extremamente diferentes, tanto em composição, objetivo e visual. Na adaptação, temos adolescentes que buscam proteger e resgatar híbridos; morando em um parque de diversões abandonado, os jovens nutrem uma repulsa por adultos e usam roupas e adereços que representem visualmente um animal de sua escolha. Liderados pela “Ursa“, esta acaba saindo do grupo e se unindo a Gus e Jappered e embarcando na viagem até o Colorado.
Em paralelo, temos o Exército Animal dos quadrinhos, um grupo bem violento de sobreviventes que dominou uma cidade inteira. Glebhelm, um homem que usa seus 5 filhos híbridos como animais de caça e também é líder do grupo, acaba convencido por Jeppered a atacar a base da mílicia; em troca, poderiam pegar todos os híbridos do local. Este, no entanto, era apenas um blefe de Tommy, que precisava do exército justamente para conseguir resgatar Gus.
Motivação de Gus
Enquanto na série o nosso protagonista quer ir ao Colorado em busca de sua mãe, nos quadrinhos o menino cervo tem como destino o Alasca. Após o doutor Singh ter acesso a escritos e documentos do pai de Gus que mencionavam o local – e após o menino ter vários sobre lá também -, nossos personagens seguem rumo ao norte, achando que lá encontrariam explicações sobre o passado do garoto e também sobre a origem do vírus.
Personagens
Podemos começar esse tópico citando duas personagens muito importantes nos quadrinhos e que acabaram de fora da série: Becky e Lucy. Resgatadas por Jeppered e Gus de uma casa onde eram obrigadas a se prostituir, as duas mulheres fazem parte do resgate de Gus e também da jornada até o Alasca.
Becky e Lucy, respectivamente.
A série, por outro lado, acabou acrescentando vários personagens novos. Como exemplo, temos Aimee, a mulher que adota uma menina híbrida e que é a responsável pela criação da Reserva, local que na adaptação realmente existe e que serve para abrigar e proteger os híbridos.
Aimee.
Origem do vírus e dos híbridos
Esse é um ponto complexo tanto na adaptação como nos quadrinhos, então vamos por partes. Na série, vemos que um laboratório estava fazendo pesquisas biológicas a fim de desenvolver novas vacinas. O pai de Gus trabalhava na limpeza da instalação, e é lá que conhece a “mãe” de Gus, Birdie. A moça era, na verdade, a virologista responsável pelo projeto, este que acabou gerando o primeiro bebê híbrido: Gus – sigla para Genetic Unit Series 1. Certa noite, o exército entra nas instalações e começa a confiscar o projeto; numa tentativa de salvar a vida da criança e impedir que ela seja alvo de experiências, Birdie entrega Gus ao homem que viraria a seu pai e pede que ele cuide do menino.
Birdie segurando Gus, ainda no laboratório.
Agora, nos quadrinhos… o buraco é bem mais embaixo. Tudo em 1910, no Alasca, onde um rapaz que outrora foi ao gélido território com o objetivo de catequizar os nativos, acabou sendo conquistado pelo povo e resolveu permanecer no local. Um dia, no entanto, o homem acaba entrando em uma caverna, onde encontra várias espécies de “túmulos“, cada um com um animal esculpido na porta. Por curiosidade, resolve abrir um deles, se deparando com um esqueleto híbrido de um humano com um cervo.
Rapidamente, outros membros da tribo o tiram de lá, explicando que aquele lugar era sagrado e que o que ele viu ali eram os corpos de Deuses. Tal perturbação, contudo, deixaria um preço. Pouco tempo depois, o povo que ali morava começou a adoecer e a morrer, e a esposa do rapaz, que estava grávida, deu à luz a um menino híbrido de cervo.
Em outra edição, vemos o pai de Gus antes da epidemia. Assim como na série, o homem também trabalhava na limpeza de uma instalação de pesquisa; a diferença é que essa instalação ficava no Alasca, e foi construída propositalmente em cima da caverna onde se localizavam os túmulos dos Deuses híbridos.
Vemos que o laboratório estava utilizando os esqueletos dos túmulos para gerar vidas híbridas artificialmente, através de incubadoras. Um dia, quando o pai de Gus foi até a instalação trabalhar, percebeu que todos os funcionários do local estavam mortos; ao andar pelas salas, avista um berço, e nele estava um bebê híbrido. Não podendo deixar o pequeno ali sozinho, o homem resolve levá-lo consigo e criá-lo como filho.
Como provavelmente teremos uma 2ª temporada, vou parar por aqui e não contar o final dos quadrinhos. Mesmo com várias mudanças e com um tom bem diferente da HQ, a adaptação de Sweet Tooth consegue ser uma série bem empolgante e divertida, mantendo a premissa chave de uma nova espécie nascendo e “tomando o lugar” dos seres humanos. Para os fãs ferrenhos e que não são muito adeptos à modificações, sugiro que assistam a série e deixem-se levar pela mensagem leve e otimista que a adaptação trás consigo, afinal, é plenamente possível gostar das duas obras ao mesmo tempo. Aos que ainda não leram os quadrinhos, deixo aqui a minha sincera recomendação; Lemire consegue nos entregar uma trama cheia de drama, mistérios, reviravoltas e quadros de ação muito, mas muito bem desenhados. Garanto que, ao começar a leitura, você não vai conseguir parar… eu, pelo menos, não consegui (risos).
Clichês são, de certa forma, o ápice da literatura. Afinal, para que algo se torne um clichê, ele precisa ser usado à exaustão, e só existe um motivo para quererem usar algo tanto assim: Essa coisa precisa ser boa. Quando chegamos no patamar de clichê, porém, a necessidade de inovação se torna maior e mais importante, fazendo com que mudanças e reviravoltas precisem ser adicionadas ao seu roteiro. Um exemplo clássico disso são as velhas histórias de vampiro. Desde “The Vampyre“, tivemos diversas pessoas tentando fazer algo novo: Bram Stoker, Stephenie Meyer, Jorge Fernando…
E como o nome sugere, “Vlad Love” é uma história de vampiro. Ao menos, é a ideia que ela tenta te passar. Só que dessa vez, o destaque está na reviravolta que precisa existir para saírmos do clichê: Existem coisas pequenas e existem coisas grandes. Existem coisas enormes, e existem coisas colossais. E, acima de tudo isso, existe seja lá o que aconteceu nesse show.
A sinopse e o trailer, ambos cortesia da Crunchyroll:
Mitsugu Bamba é viciada em doar sangue, e visita bancos de sangue tão frequentemente que chega a atrair a inimizade das enfermeiras. Certo dia, Mitsugu encontra uma bela garota que parece ter vindo do exterior. Ela é tão pálida que parece prestes a desmaiar, então Mitsugu decide levá-la pra casa…
Para entender o que, e principalmente, o como isso sequer saiu do papel, precisamos conhecer o responsável (ou “culpado“, se preferir) por tudo: Mamoru Oshii.
Atualmente o meu diretor predileto, esse homem é responsável não apenas por títulos que você conhece, mas também por difundir uma boa parte dos diversos esteriótipos de animê que são usados até hoje.
Como cineasta, dirigiu filmes que quebraram recordes, como Ghost in the Shell (1995, com sequência em 2004) e Patlabor (1989, com sequência em 1993). Para o nosso contexto, porém, creio que seu maior mérito esteja em Urusei Yatsura, animê de 1981, que é a própria definição do gigante naquela famosa frase de Isaac Newton, sobre “ver mais longe“.
Se esses nomes não te deram contexto nenhum, significa que você não está familiarizado com esse lado da internet, e, muito provavelmente, “Vlad Love” seria um baque grande demais pra você suportar.
Por mais incrível que possa parecer, esse nem é o clube mais esquisito da escola
Aí você pega um diretor que, pelo histórico que tem, sabemos que gosta de fazer coisas absurdas e impensáveis… e dá a ele carta branca para fazer o que ele quiser, do jeito que ele quiser. Como foi um animê completamente patrocinado por uma única empresa privada, Mamoru Oshii recebeu o dinheiro e teve a liberdade de simplesmente fazer o que diabos ele tivesse afim. Ele não precisava ser coeso, ele não precisava criar algo que fizesse sentido. Ele podia apenas fazer por fazer. A habilidade – e, talvez, a possibilidade – de criar tantas tangentes quanto ele quisesse é, indubitavelmente, a própria essência de o que é o “caos“. E a frase anterior é pomposa de propósito.
Não vou contar tudo o que acontece na animê, para você ainda ter a chance de viver essa experiência surreal em primeira mão, mas só para te dar uns exemplos: Temos desde referências a quadrinhos avant-garde da década de 60; pausas de vários minutos para ler artigos da Wikipedia sobre assuntos diversos; Escolhas artísticas e visuais que são ousadas até mesmo para o próprio Mamoru Oshii… São coisas tão absurdas que quando chegamos na violência gratuita, nas quebras de quarta parede e nas piadas com direitos autorais, elas parecem até normais demais.
Por mais incrível que possa parecer, essa nem é a pausa para ler um artigo da Wikipedia mais esquisita do show
O resultado é que, em sua essência, Vlad Love não é uma história. O animê é apenas um delírio coletivo, uma alucinação liderada por um homem louco e que não tem nada a perder, e que está disposto a entregar uma experiência surrealista e irracional para qualquer pessoa insana o bastante para querer recebê-la. Ao abraçar o caos em sua mais pura forma, o show se torna a própria definição de “comédia“, ao ser completamente impossível de se prever, tal como dita o terceiro princípio do gênero.
E, se não conhece os três princípios da comédia, um outro show pode te apresentar ao conceito: “A Destructive God Sits Next to Me“.
Assim como uma seita, é preciso aceitar a doutrina completamente sem pé nem cabeça e se tornar um seguidor fanático. Sem essa aceitação, o animê simplesmente não funciona, e por isso, ele acaba sendo extremista: Ou você o ama religiosamente, ou você o odeia tanto quanto o diabo odeia a cruz. Se você acha que gosta de humor absurdo e nonsense, Vlad Love é, com certeza, um teste para ver se isso é verdade.
Por mais incrível que possa parecer, essa nem é a quebra de quarta parede mais esquisita do animê
Se acredita que é verdade, eu não poderia recomendar mais esse show, que, acredito eu, foi o responsável por queimar o resto dos fusíveis que eu ainda tinha funcionando na cabeça. E eu os queimaria novamente com o maior prazer.
Caso seja o seu tipo de animê, a única avaliação possível para “Vlad Love” é Diamante. Mas só se for o seu tipo de animê.
Você pode assistir “Vlad Love” completo na plataforma de streaming Crunchyroll, com legendas em português.
Não é nenhuma novidade, que o Homem-Aranha possui uma vasta fanbase ao redor do mundo. Os fãs do herói costumam demostrar muito amor e carinho com a mitologia do Teioso, além de possuírem um enorme respeito pelos seus princípios.
Ao longo dos anos, o Amigão da Vizinhança vem expandindo os seus horizontes quando o assunto se trata de ”fãs”, uma vez que com o surgimento de novas produções audiovisuais, as suas histórias acabam atraindo novos admiradores aracnídeos.
Todavia, o Brasil vem se mostrando um dos países que mais amam o Homem-Aranha, visto que grupos do Facebook (vide Homem-Aranha: Clarimpostagem) aumentaram a popularidade do herói (que nunca foi baixa) com o público leigo.
Desde o seu surgimento, o Cabeça de Teia ganhou diversos filmes e seriados feito por fãs, sendo boa parte produzidos por países localizados na América do Norte, Europa e Oceania. Entretanto, o Brasil está prestes a ”bater de frente” com as outras nações em relação a fan film (filme feito por fã) do personagem que sobe pelas paredes.
Intitulado de Teia do Homem-Aranha, o longa-metragem nacional do teioso foi anunciado em 2019, e originalmente seria lançado em 2020. Porém, devido a motivos pessoais dos membros envolvidos, o filme acabou sendo adiado e será lançado muito em breve na internet.
A obra é dirigida por Luís Carlos (do canal Supremospidey) junto de Arthur Rotta, que também assina o roteiro. Já, Alec Braga assina como diretor de fotografia e produtor, ao lado de Luís.
Imagens EXCLUSIVAS liberadas para nós, da Torre de Vigilância.
Após se formar no ensino médio, Peter Parker busca uma forma de ganhar mais dinheiro para ajudar sua tia May nas despesas de casa e arcar com os custos de ser um herói, o Homem-Aranha. Atuando como freelancer no jornal Clarim Diário, Peter consegue a oportunidade de concorrer a uma vaga de estágio como fotojornalista, e tem uma semana para escrever uma matéria impactante. Dessa forma, ele poderia melhorar a reputação de seu alterego mascarado, mas seu envolvimento com uma família problemática e atingida pelas drogas pode mudar seu destino. Diz a sua sinopse oficial.
De acordo com a descrição da obra, Teia do Homem-Aranha é um longa feito por fãs para fãs, mas que vai um pouco além, uma vez que uma de suas propostas, é atingir positivamente os amantes de cinema.
Teia doHomem-Aranha não terá uma trama blockbuster, mas sim, uma história que irá mexer com o íntimo do telespectador; dado que ela irá explorar a psique de Peter Parker ”e entender a dualidade que existe entre ele e o Homem-Aranha”.
Você pode conferir as principais atualizações envolvendo Teia do Homem-Aranha, acessando o Instagram oficial do filme clicando aqui.
Para nós, brasileiros que amam o Homem-Aranha, é gratificante presenciar que não há limites para certos apaixonados pelo herói. Parabéns Luís, Arhur e Alec pelo projeto!
Quando os créditos finais de Liga da Justiça de Zack Snyder sobem, a primeira pergunta a ser feita: “Por quê?” Por que este não foi o filme lançado nos cinemas em 2017? Quanto mais tempo usado para refletir, menos sentido faz a decisão tomada há quase 4 anos. A obra é exatamente o que o estúdio buscava: É leve, bem humorada, otimista e extremamente esperançosa. Acima de tudo, mostra que Snyder sabe operar com o tradicional, mas sem perder sua assinatura.
Assinatura essa, tão criticada no passado, responsável por tocar as mentes, os corações e as almas de tantos fãs. Ainda pergunta-se o porquê de Liga da Justiça ter sido lançada? Porque enquanto críticos profetizavam com dedos nos teclados, um grupo de indivíduos atravessou o ódio e disse: “Você não está sozinho.” O senso de unidade do movimento #ReleaseTheSnyderCuté, metaforicamente, equivalente ao do time de super-heróis no filme.
Sem perder tempo com brigas ou piadas desnecessárias, a Liga da Justiça, como Snyder quis, não é a cópia fajuta dos Vingadores como eles foram na versão teatral (Parcialmente dirigida por Joss Whedon, que coincidência!). O roteiro de Chris Terrio traz o senso de urgência necessário e coerência para a união do time. Por mais que cada membro esteja quebrado por dentro, todos estão unidos por um ideal em comum, desde o início até o fim. Eles realmente são a nova era de heróis que precisa retornar. Talvez não seja adaptação sonhada por alguns fãs, mas ao assisti-los formulando um plano, é possível sentir: Não é simplesmente uma equipe. É a equipe.
O senso de unidade também está presente visualmente no aspect ratio4:3. Apesar de ser uma produção conduzida por grandes cenas de ação, a proporção de tela não apenas concede mais detalhes ao espectador, mas também centraliza a ação, sem qualquer possibilidade de desviar o olhar. Além disso, a cinematografia de Fabian Wagner é fornecedora de um tom diferente, apropriadamente leve para o filme. Todos esses aspectos, aliados à direção de Snyder, com muito slow-motion e brilhantes movimentos de câmera e narrativa visual, tornam cada frame em uma pintura.
Apesar da montagem por David Brenner e Doddy Dorn não ser perfeita, ainda há uma ótima coordenação dos arcos de cada personagem no filme, um deles, em particular, é brilhante pela sua ressonância temática com a obra. Também é preciso destacar a excelente trilha sonora de Junkie XL, imponente, dramática e empolgante. Além disso, a decisão em dividir a obra em capítulos, é especial e cooperativa para a fluidez das 4 horas. É como a leitura de uma graphic novel publicada pela DC Comics.
Cada personagem traz o seu melhor. A interpretação de Ben Affleck como Batman apresenta um vigilante mais esperançoso, mas não bobo, também é um excelente líder e estrategista, carregado de culpa. É interessante como o impacto das Amazonas é maior para a Mulher-Maravilha (Gal Gadot) do que em seus filmes solo e é fascinante como o Flash (Ezra Miller) é engraçado, criativo e inteligente, muito próximo dos quadrinhos e das animações da equipe. Talvez Aquaman (Jason Momoa) tenha o arco menos interessante, contudo, é bem desenvolvido como personagem e prepara um bom terreno para o seu ótimo filme solo.
O Cyborg sempre foi descrito por Snyder como o coração da equipe e ele realmente é. É criminoso como Ray Fisher foi tratado pela versão de 2017. Aqui Victor Stone é mais do que um homem dizendo “Booyah” ´para agradar alguns nerds. Ele é um personagem, com trauma, raiva, luto, todas as emoções possíveis, a performance de Fisher é brilhante e o seu arco é emocionalmente poderoso e inspirador. Liga da Justiça é um filme sobre ascensão, sobre a cura da dor através do coletivo, através do altruísmo.
Falando em altruísmo, o Superman de Henry Cavill é mil vezes mais Superman através do seu silêncio pacífico, calmo do que as milhões frases de efeito presentes na versão com bigode removido por CGI. Todos os momentos, toda a tranquilidade expressa em seus gestos e olhar, são catárticos, tanto quanto o seu reencontro com Lois e Martha. Todas as cenas do núcleo do Último Filho de Krypton são emocionantes graças à carga dramática presente nos dois filmes anteriores. É como um presente, um presente que esperamos muito tempo para abrir.
Se O Homem de Aço foi a construção, Batman vs Superman, a desconstrução, Liga da Justiça de Zack Snyder é a reconstrução. Todas as feridas provocadas pelo corporativismo aos fãs, ao elenco, à toda produção e especialmente, ao autor, foram curadas, tal qual os nossos heróis ao final da obra, olhando para um amanhã melhor, mais justo, mais esperançoso, unindo-se ao Sol. Porque eles não estão quebrados ou sozinhos. Nós também não.
Minha mãe nunca foi muito de ver televisão. Ela assiste novelas e programas de fofoca como todo brasileiro médio faz (mesmo que escondido), mas nada muito além disso. Por isso, fiquei bastante surpreso quando, há uns dois anos, ela me pediu para usar minha conta da Netflix (que eu também não uso, pra ser sincero). Ela queria assistir “Grey’s Anatomy”, por recomendação de algumas amigas.
Quinze temporadas depois, me pego perguntando o que será que ela assistirá em seguida. Afinal, ela tinha criado um hábito de sempre sentar para assistir seu seriado durante a noite. Cheguei a pensar em algumas recomendações, caso ela viesse perguntar por elas, mas a conversa que tive foi inesperada: “Vou reassistir tudo do começo”.
Introdução feita, vamos falar sobre o tema da postagem: Qual o valor de revisitar obras que você já consumiu? Qual o balanço ideal entre consumir novas coisas e buscar de novo aquilo que já foi consumido? Esse é um assunto relevante o bastante para se discutir?
Vou começar respondendo a terceira pergunta: Não, não é. Não acho que precisamos discutir ou criar conversas elaboradas sobre o assunto. Afinal, acaba sendo uma coisa pessoal e de opinião, certo? Isso sim é questão de opinião. Minha mãe não está fazendo mal a ninguém por reassistir Grey’s Anatomy inteiro pela quinta vez (sim, pois é). Então… tudo bem? Se ela prefere assistir a mesma coisa de novo ao invés de conhecer novas séries, pra quê discutir?
Então é isso. Acabou a postagem. Valeu galera, e até a próxima.
E foi aí que o problema começou… Aquele sorriso… Aquele maldito sorriso…
Ok, ok. De verdade, acredito que a questão principal é que existem dois grupos bem distintos de pessoas, e elas não costumam entender o outro lado. As pessoas que preferem conteúdo novo não entendem a motivação das pessoas que gostam de revisitar conteúdo já conhecido, e vice-versa.
Como uma pessoa que era membro fanático dos exclusivetes, mas que está começando a virar a casaca, acredito que posso falar pelos dois lados.
Seja lá qual a mídia que você gosta de consumir, pode ter certeza que existe o suficiente para que você possa ficar o resto de sua vida sem precisar repetir uma única vez. Séries? Mais de mil delas, só na Netflix; Filmes? Provavelmente mais de cem mil já foram produzidos; Quadrinhos? Só na sua estante você deve ter uns trinta que não foram lidos ainda; Animes? Só a Crunchyroll oferece mais de 700 títulos no Brasil; Livros? São escritos há literalmente milhares de anos.
Com catálogos tão grandes, e tantas experiências novas podendo ser descobertas, muitas pessoas acabam tendo dificuldade em se imaginar “perdendo tempo” ao rever um filme ou reler um quadrinho que já conhecem. Quem sabe esse livro não é aquele que se tornará o meu novo favorito? Não saberei até terminar de lê-lo!
Por outro lado… Só existe um único favorito. Sempre haverá apenas um “melhor”. Isso significa que todos os outros não serão tão bons assim. As chances dessa coisa nova ser pior do que eu imagino são bem maiores do que a de ser algo melhor do que eu espero, não é? Mais vale ter certeza de que aquilo que estou consumindo é, de fato, bom. Assim, eu maximizo o meu tempo!
Mas, quando temos uma infinidade de possibilidades disponíveis, parece um pouco presunçoso pensar que você já encontrou sua alma gêmea. Claro que você pode ter gostado muito desse livro, mas achar logo de cara que ele é a maior invenção da humanidade desde o filtro de barro é forçar um pouco a barra. Que tal analisar aquilo que você gostou, e tentar entender o motivo de ter gostado daquilo? Você pode acabar encontrando alguns gêneros ou tipos de histórias que te agradam, e pode buscar isso em novas obras.
Dois exemplos disso, um que deu certo, e outro que não deu: Voltamos pra minha mãe. Ela adorou Grey’s Anatomy. Assim, recomendei que procurasse outras séries médicas. Ela assistiu “The Good Doctor: O Bom Doutor” na Globo Play, e o resultado? Ela não gostou. No final das contas, o que fez com que ela gostasse de Grey’s Anatomy não era o fato de ser uma série médica. Logo depois, ela começou a assistir “Lucifer”, na Netflix, e adorou o novo passatempo. Conclusão? Descobrimos que ela está mais interessada em romances no ambiente de trabalho do que em hospitais. E agora, ela tem exorbitantes DOIS seriados que ela gosta de assistir!
Espere aí… talvez eu esteja começando a notar um padrão nos seriados que minha mãe gosta…
Além disso, tem aquele ditado lá né? “Nunca se banha duas vezes no mesmo rio”. Acho um péssimo ditado pois ele é um dos poucos ditados que requer corolário. Ele diz isso pois na segunda vez, tanto o rio como você já estão mudados, fazendo com que “outra pessoa” esteja se banhando em “outro rio”… Enfim. No contexto, o que quero trazer é que com o passar do tempo, com o ganho de novas experiências e de novas perspectivas, é possível que sua visão de uma obra mude.
Recentemente, tivemos a terceira e última temporada de “My Teen Romantic Comedy SNAFU” (Show que está disponível no Brasil na Crunchyroll e que eu comentei numa postagem). O animê estreou em 2013 e teve sua segunda temporada em 2015, e portanto, julguei mais sábio reassistir tudo antes de embarcar na última jornada. A série é um drama adolescente surpreendentemente realista, e isso é um ponto importante. Em 2013, eu ainda era um adolescente, e estava no segundo ano do ensino médio (mesmo ano que todas as personagens do show, inclusive). Um adolescente assistindo um drama adolescente é uma experiência absurdamente diferente de um adulto (supostamente) assistindo um drama adolescente. Eu revi o show e parecia que eu estava vendo uma coisa completamente nova. Minha visão sobre tudo mudou de uma forma drástica.
Foi uma mudança tão grande que me animou a dar uma nova chance para coisas que eu já tinha visto. “Será que meus favoritos ainda são tão bons quanto eu me lembro?” eu meu questionei. Pretendo rever “Angel Beats” em breve, para descobrir.
Algumas coisas, porém, o tempo não muda. Essa imagem ainda me dá um baque, dez anos depois…
O que tiramos disso tudo é que, sinceramente? Faça o que lhe deixar mais feliz. Às vezes, você simplesmente não está com saco para experimentar coisas novas, e quer o conforto de sentar no seu sofá e ler o mesmo gibi do Batman pela quadragésima vez, pois você sabe que aquele socão que ele dá na página 37 é muito satisfatório. E às vezes, você não aguenta mais assistir Quarteto Fantástico e o Surfista Prateado, que parece passar sete vezes ao dia na TV fechada, e clica em algo aleatório na Netflix. Dê uma chance para ambos.
